Frida Kahlo: Historia de superación, llena de contradicciones.

Hasta finales de abril en San Petersburgo pasa una retrospectiva de Frieda Kahlo. - el gran artista mexicano que se convirtió en el corazón y el alma de la pintura femenina en el mundo. Es costumbre contar la vida de Frida a través de la historia de superar el dolor físico; sin embargo, como suele ser el caso, este es solo un aspecto de un camino complejo y multifacético. Frida Kahlo no era solo la esposa del reconocido pintor Diego Rivera o un símbolo de la fuerza mental y física: la artista ha estado escribiendo toda su vida, a partir de sus propias contradicciones internas, las complejas relaciones con la independencia y el amor, hablando de quién conocía mejor: ella misma.

La biografía de Frida Kahlo es más o menos conocida para todos los que vieron la película de Julie Taymor con Salma Hayek: infancia y adolescencia despreocupadas, un accidente terrible, una fascinación casi aleatoria por la pintura, el contacto con el artista Diego Rivera, el matrimonio y el estado eterno de "todo es difícil". Dolor físico, dolor emocional, autorretratos, abortos y abortos involuntarios, comunismo, novelas románticas, fama mundial, extinción lenta y muerte tan esperada: "Espero que la atención sea exitosa y no regrese", Frieda dormida vuela a la cama por toda la eternidad.

No sabemos si la atención en sí fue exitosa, pero los primeros veinte años después pareció que el deseo de Freda se cumplió: fue olvidada en todas partes, excepto en su México natal, donde la casa-museo abrió casi de inmediato. A fines de la década de 1970, en la ola de interés por el arte femenino y el neomicanismo, sus obras comenzaron a aparecer ocasionalmente en exposiciones. Sin embargo, en 1981, el Oxford Acompañante al Diccionario de Arte Moderno del Siglo XX le dio una sola frase: "Kahlo, Frida. Vea a Rivera, Diego María".

"Hubo dos accidentes en mi vida: uno cuando el autobús llegó a un tranvía, el otro es Diego", dijo Frida. El primer accidente la hizo comenzar a pintar, el segundo hizo un artista. El primero respondió al dolor físico toda su vida, el segundo causó dolor espiritual. Estas dos experiencias más tarde se convirtieron en los principales temas de sus pinturas. Si un accidente automovilístico realmente fue un accidente fatal (Freda tuvo que ir en otro autobús, pero salió a medio camino para buscar un paraguas olvidado), la relación difícil (después de todo, Diego Rivera no era la única) era inevitable debido a la inconsistencia de su naturaleza. Qué fuerza e independencia se combinaban con sacrificio y obsesión.

^ "Frida y Diego Rivera", 1931

Tuve que aprender a ser fuerte en mi infancia: primero ayudé a mi padre a sobrevivir a las crisis epilépticas y luego a afrontar las consecuencias de la polio. Frida jugaba al fútbol y al boxeo; en la escuela estaba en una pandilla de "kauchas", hooligans e intelectuales. Cuando el director de la escuela invitó a Rivera, un maestro reconocido, a pintar la pared, frotó los escalones de las escaleras con jabón para ver cómo se deslizaba esta persona con cara de sapo y cuerpo de elefante. Consideraba que las compañías femeninas eran un lugar común, prefería ser amiga de los chicos y conocía a las más populares e inteligentes, que también estudiaban varias clases mayores.

Pero habiéndose enamorado, Frida parecía perder la razón, lo que ella valoraba tanto en las personas. Ella podría, literalmente, perseguir el objeto de su pasión, arrojando cartas, seduciendo y manipulando, todo para desempeñar el papel de un compañero fiel. Así que al principio fue su matrimonio con Diego Rivera. Ambos cambiaron, se dispersaron y volvieron a converger, pero, según los recuerdos de los amigos, Frida era a menudo inferior, tratando de preservar la relación. "Ella lo trató como a un perro querido", recordó una de sus amigas. "Él está con ella como una cosa querida". Incluso en el retrato de "boda" "Frida y Diego Rivera" solo uno de los dos artistas está representado con atributos profesionales, una paleta y pinceles, y esto no es Frida.

Mientras Diego escribía frescos durante días y pasaba la noche en el bosque, ella le llevaba canastas de almuerzo, trabajaba con billetes, ahorraba en procedimientos médicos muy necesarios (Diego gastó una fortuna en su colección de estatuas precolombinas), escuchó con atención y acompañó a las exposiciones. Bajo la influencia de su esposo, sus pinturas también cambiaron: si pintaron los primeros retratos de Frida, imitando a artistas renacentistas de álbumes de arte, gracias a Diego, las tradiciones nacionales de México, cantadas por la revolución, penetraron en ellos: Una imagen de heridas sangrantes con una pompa de flores, cordones y cintas.

^ "Alejandro Gómez Arias", 1928

Para complacer a su esposo, incluso se cambió los jeans y las chaquetas de cuero por faldas mullidas y se convirtió en un "teuan". Esta imagen carecía por completo de autenticidad, ya que Frida combinaba ropa y accesorios de diferentes grupos sociales y épocas, podía llevar una falda india con una blusa criolla y los pendientes de Picasso. Al final, su ingenio convirtió esta mascarada en una forma de arte separada: comenzando a vestirse para su esposo, continuó creando imágenes únicas para su propio placer. En su diario, Frida notó que el traje también era un autorretrato; Sus vestidos se han convertido en los personajes de las pinturas, y ahora los acompañan en las exposiciones. Si las pinturas eran el reflejo de una tormenta interna, entonces los trajes se convirtieron en su armadura. No es una coincidencia que un año después del divorcio, apareciera "Autorretrato con pelo corto", en el que el traje masculino reemplazó a las faldas y las cintas, en una Frida similar que una vez posó para un retrato familiar mucho antes de conocer a Diego.

El primer intento serio de salir de la influencia de su esposo fue la decisión de dar a luz. El parto natural era imposible, pero había esperanza de una cesárea. Freda se apresuró. Por un lado, estaba ansiosa por continuar la carrera, estirar esa cinta roja, que luego retrataría en la foto "Mis abuelos, mis padres y yo", para tener a su disposición al pequeño Diego. Por otro lado, Freda entendió que el nacimiento de un niño la ataría a una casa, interferiría con su trabajo y la distanciaría de Rivera, que estaba totalmente en contra de los niños. En las primeras cartas a un amigo de la familia para el Dr. Leo Eloisser, Frida embarazada pregunta qué opción le causará menos daño a su salud, pero, sin esperar una respuesta, decide quedarse embarazada y no volver a retirarse. Paradójicamente, la elección que generalmente se impone a una mujer por defecto, en el caso de Frida, se convierte en una revuelta contra la custodia de su esposo.

Desafortunadamente, el embarazo terminó en aborto involuntario. En lugar del "pequeño Diego", nació el "Henry Ford Hospital", uno de los trabajos más tristes con los que comenzó la serie de pinturas "sangrientas". Quizás fue la primera vez en la historia del arte, cuando el artista habló sobre el dolor de las mujeres con la mayor honestidad, casi fisiológica, tanto que las piernas se contrajeron en los hombres. Cuatro años más tarde, Pierre Collet, el organizador de su exposición en París, ni siquiera decidió inmediatamente exhibir estas pinturas, considerándolas demasiado impactantes.

Finalmente, esa parte de la vida de una mujer que siempre estuvo vergonzosamente oculta de miradas indiscretas se reveló en una obra de arte.

Las desgracias persiguieron a Frida: después de la muerte de la niña, ella sobrevivió a la muerte de la madre, y solo se puede adivinar qué golpe para ella fue otra novela de Diego, esta vez con su hermana menor. Sin embargo, se culpó a sí misma y estuvo dispuesta a perdonar, aunque no solo por convertirse en una "mujer histérica"; sus pensamientos sobre este tema se parecen dolorosamente a la tesis eterna de que "una mujer debe ser sabia". Pero en el caso de Frida, la sumisión y la capacidad para soportar fueron de la mano del humor negro y la ironía.

Sintiendo su importancia secundaria, la insignificancia de sus sentimientos en comparación con los de los hombres, llevó esta experiencia al punto de lo absurdo en la película "Algunas inyecciones pequeñas". "Simplemente la toqué varias veces", dijo un hombre que había apuñalado a su novia en el juicio. Al enterarse de esta historia en los periódicos, Frida escribió un completo sarcasmo de trabajo, literalmente cubierto de sangre (manchas de pintura roja "salpicadas" incluso en el marco). Sobre el cuerpo ensangrentado de la mujer se levanta un asesino inexpresivo (su sombrero insinúa a Diego), y encima, como una burla, se cierne un nombre escrito en una cinta sostenida por palomas, tan similar a un adorno de boda.

Entre los fanáticos de Rivera hay una opinión de que las pinturas de Frida son "pintura de salón". Quizás, al principio, Frida misma estaría de acuerdo con eso. Siempre criticó su propia creatividad, no buscaba entablar amistad con los galeristas y comerciantes, y cuando alguien compraba sus cuadros, a menudo se quejaba de que el dinero podía gastarse con mayor beneficio. Esto fue un poco de coqueteo, pero, francamente, es difícil sentirse seguro cuando su esposo es un maestro reconocido que trabaja día y noche, y usted es autodidacta y le resulta difícil elegir la pintura entre las tareas domésticas y las operaciones médicas. "Las obras del artista principiante son definitivamente significativas e incluso amenazan a su famoso esposo coronado con laureles", se escribió en el comunicado de prensa de la primera exposición de Frida en Nueva York (1938); "Baby Frida": así la llamó el autor de la publicación de TIME. Para entonces, el "bebé" "principiante" había estado escribiendo durante nueve años.

↑ Raíces, 1943

Pero la falta de altas expectativas dio plena libertad. "Me escribo porque paso mucho tiempo solo y porque soy el tema que mejor conozco", dijo Frida, y al abordar este "tema" no solo había subjetividad, sino también subjetividad. Las mujeres que posaron para Diego se convirtieron en alegorías sin nombre en sus frescos; Frida siempre ha sido el protagonista. Esta posición se vio fortalecida por la duplicación de los retratos: a menudo se escribía a sí misma al mismo tiempo en diferentes imágenes e hipóstasis. Un gran lienzo, "Dos Fridas" fue creado durante el proceso de divorcio; en ella, Frida se escribió a sí misma "amada" (a la derecha, con un traje teuan) ​​y "no amada" (con un vestido victoriano sangrando de sangre), como si declarara que ahora ella misma es la "segunda mitad". En el cuadro Mi nacimiento, creado poco después del primer aborto espontáneo, se presenta a sí misma como una recién nacida, pero obviamente también se asocia con la figura de una madre cuyo rostro está oculto.

La exposición mencionada de Nueva York ayudó a Frieda a ser más libre. Sintió su independencia por primera vez: fue sola a Nueva York, se conoció, recibió pedidos de retratos y comenzó el romance no porque su esposo estuviera demasiado ocupado, sino porque le gustaba tanto. La exposición fue generalmente aceptada favorablemente. Por supuesto, hubo críticos que dijeron que las imágenes de Frieda eran demasiado "ginecológicas", pero fue más bien un cumplido: finalmente, esa parte de la vida de la mujer que los teóricos de la moda femenina razonaron durante siglos, pero que siempre estaba tímidamente escondida de miradas indiscretas, Revelado en una obra de arte.

La exposición de Nueva York fue seguida por una exposición parisina, organizada con la participación directa de Andre Breton, quien consideraba a Fried como un prominente surrealista. Ella accedió a la exposición, pero rechazó claramente del surrealismo. Hay muchos símbolos en los lienzos de Frida, pero no hay indicios: todo es obvio, como una ilustración de un atlas anatómico, y al mismo tiempo tiene un sabor excelente. La somnolencia y la decadencia inherentes a los surrealistas la irritaban, sus pesadillas y proyecciones freudianas parecían insignificantes infantiles en comparación con lo que ella había experimentado en la realidad: "Desde [el accidente] he estado obsesionada con representar las cosas como mis ojos las ven, Y nada más ". "Ella no tiene ilusiones", asintió Rivera.

↑ "Mis abuelos, mis padres y yo", 1936.

Frida no se hacía ilusiones, aceptaba el divorcio, no se hacía ilusiones, aceptaba volver a casarse con Diego, pero ya no se dejaba llevar por la corriente. El dolor de la brecha se convirtió en su mejor trabajo y el sufrimiento que Diego desarrolló las condiciones: se contendrá y no tendrán relaciones sexuales. Comenzó a usar jeans nuevamente, se dedicaba a la limpieza y enseñaba a los estudiantes con placer, escribió "Autorretrato con una guadaña", en la cual el cabello previamente cortado se entrelazaba en un pretzel de fantasía, y finalmente se resignó a la incapacidad de dar a luz, se volvió hacia el tema de la fertilidad. En sus pinturas aparecieron cada vez más raíces, tallos y frutas, y en las entradas del diario el refrán "Diego es mi hijo".

Se volvió imposible para un esposo ser madre nativa después de una serie de operaciones en la columna vertebral y amputaciones: primero un par de dedos en la pierna derecha, luego, toda la pierna. Frieda habitualmente sufría dolor, pero temía perder movilidad. Sin embargo, se atrevió: se preparó para la cirugía, se puso uno de los mejores vestidos y pidió un zapato de cuero rojo con bordados para la prótesis. A pesar de la grave condición, la dependencia de los analgésicos narcóticos y los cambios de humor, se preparó para el 25 aniversario de la primera boda e incluso convenció a Diego para que la acompañara a la manifestación comunista. Siguiendo trabajando con todas mis fuerzas, en algún momento pensé en hacer que mis pinturas se politizaran más, lo que parecía impensable después de tantos años dedicados a describir experiencias personales. Tal vez si Frieda sobreviviera a la enfermedad, la reconociéramos por un lado nuevo e inesperado. Pero la neumonía, atrapada en esa misma manifestación, interrumpió la vida del artista el 13 de julio de 1954.

"Durante doce años de trabajo, todo lo que no provino de la motivación lírica interna que me obligó a escribir fue excluido", explicó Fried en la solicitud para la subvención de la Fundación Guggenheim en 1940, "Dado que mis temas siempre fueron mis propios sentimientos, mi estado de ánimo y mis respuestas a lo que me invirtió la vida, a menudo lo encarné en mi imagen, que era la más sincera y presente, para poder expresar todo lo que sucede en mí y en el mundo externo ".

^ "Mi nacimiento", 1932

Fotos: Wikipedia (1, 2), WikiArt (1, 2, 3, 4, 5)