Cómo se reviven las legendarias casas de moda de principios del siglo XX
cerrado en diferente Por alguna razón, las marcas legendarias aún tienen un enorme potencial, gracias al cual los nuevos inversores se sienten atraídos. Así, la casa de moda del legendario Paul Poiret, cerrada en 1930, se puso a la venta recientemente. Hasta el 28 de noviembre, los compradores potenciales pueden presentar sus ofertas a través de una subasta en línea organizada por el actual propietario de la marca, el empresario francés Arnaud de Lummen, detrás de quien se encuentra la exitosa reactivación de la casa Vionnet en 2006 y el reinicio del antiguo fabricante francés de bolsos y maletas Moynat. Contamos con más detalle sobre él y sobre otras cinco casas, cuyo reinicio se ha esperado desde hace mucho tiempo o, por el contrario, inesperado.
Paul poiret
Paul Poiret es un seguidor y alumno de los fundadores de la alta costura, los dos principales diseñadores de moda del siglo XIX: Charles Frederick Worth y Jacques Doucet. El primero trató de abolir las crinolinas, ofreciéndose a reemplazarlas con una falda por un tren, y Doucet citó el arte del este y cosió los llamados vestidos de té para el hogar. Poiret, quien comenzó su carrera en su estudio, continuó desarrollando sus ideas y fundó su casa de moda en 1903.
Poiret liberó a las mujeres del corsé y se convirtió en una figura importante para las mujeres liberadas más liberadas. El modisto cambió no solo los estilos de ese tiempo, sino también los estándares de belleza femenina. Con el deseo de las mujeres de lucir bien en sus vestidos, la moda comenzó para una figura deportiva delgada, no atada por un corsé. En 1905, propuso un vestido de mujer de corte camisero y luego se viste con motivos orientales. Tras el tremendo éxito de la gira “Russian Ballet” en Europa con la producción de Dyagilev “Scheherazade” Poiret, un gran fanático del arte teatral, comenzó a introducir motivos orientales.
Los colores brillantes, los patrones elegantes, los pantalones de harén y las túnicas bordadas con hilos de oro, los turbantes decorados con perlas y plumas caras, fueron recibidos con entusiasmo por las mujeres europeas. Entre los clientes del famoso maestro estaba Isadora Duncan, quien lo llamó nada menos que un genio. Otro invento de Poiret es una estrecha "falda coja" (la llamada falda de cojín), que recuerda a la cola de una sirena, que permitió que solo unos pequeños pasos se movieran y causaron un gran revuelo entre los clientes. Lo llevaban con un sombrero de ala ancha con plumas. Paul Poiret es también el primer diseñador de moda que lanzó su propia marca de perfumes en 1911, nombrándolos en honor a su hija mayor, Rozin. Además, Poiret era un comercializador: inventó el diseño de la botella, el embalaje y la publicidad.
Después de la Primera Guerra Mundial, el interés en las obras de Poiret se desvaneció. Sus modelos, que simbolizaban la celebración eterna, se vuelven irrelevantes para el período de posguerra, y la marca Poiret no compite con las nuevas casas de moda, incluida Chanel. Resueltamente no dispuesto a crear ropa simple, Poiret se vio obligado a cerrar su casa en 1930. Poiret pasó los últimos días en la pobreza y murió en 1944. El interés por las obras de Poiret se reavivó en los años 50-60 con la presentación de su viuda y musas Denise Poiret: los artículos vintage del diseñador comenzaron a subir de precio, las exposiciones de su obra reunieron a multitudes de admiradores y los coleccionistas compraron todo lo relacionado con su nombre. Pero será posible hablar sobre el renacimiento real de la marca solo después de la subasta a finales de noviembre de 2014. Según su actual propietario, Arnaud de Lummen, que llama a las legendarias marcas cerradas "bellas durmientes", Poiret es tan famoso en todo el mundo que puede atraer inversores incluso de mercados que aún desconocemos.
Jean patou
La historia de la casa de modas Jean Patou está llena de altibajos. Fundada en 1912, la casa de moda se vio obligada a interrumpir su trabajo en 1914 debido al estallido de la Primera Guerra Mundial. En vísperas de las hostilidades, Patou logró vender la última colección a casi todos los compradores estadounidenses e ir al frente. Una vez más, la casa de Jean Patou fue inaugurada en 1919. Como lo ha demostrado la historia, los cambios más significativos en la moda (así como en otras esferas) ocurren precisamente después de las guerras: cubiertas con júbilo, las personas anhelan grandes cambios. Y la personificación de tales cambios fue Jean Patou.
Esa cosa Patu se convirtió en la base del vestuario de flappers de niñas de los años 20 y ayudó a la aparición de siluetas andróginas. Acortando sus faldas habituales al piso, fue uno de los primeros en hacer alarde de las piernas de las mujeres y creó no solo ropa hermosa, sino también ropa cómoda, incluida la ropa deportiva: junto con Coco Chanel y Elsa Schiaparelli, Patou trabajó en la creación de cosas de mujeres para jugar al tenis. Fue en su falda plisada que la atleta y campeona francesa Suzanne Lenglen ganó el oro en Amberes en 1920. Patou, como uno de los pioneros de la ropa deportiva, creía que el estilo innovador es una silueta atlética.
Las ideas innovadoras de Patou fueron muy populares entre los estadounidenses liberales, lo que socavó la estabilidad de su negocio después del colapso de Wall Street en 1929. Su otra idea innovadora lo ayudó a sobrevivir a la crisis económica de Patou, la línea de perfumería que permanece a flote muchas décadas después: su fragancia más famosa, Joy, todavía se produce. Mark Boan, Karl Lagerfeld y Jean-Paul Gautier intentaron restaurar la grandeza anterior de la ropa bajo la marca de Jean Patou en diferentes años.
Christian Lacroix, quien dirigió la casa de Jean Patou en 1981, regresó a la fama de la compañía y a sus altos ingresos. Pero a este despegue le siguió una rápida caída, y en 1987, después de la partida de Christian Lacroix, quien decidió establecer su propia marca, la casa de Jean Patou fue cerrada. 25 años después del cierre, la marca estaba destinada a renacer de nuevo: el actual vicepresidente de la casa, Bruno Georges Kottar, se hizo cargo de su reanimación. Sin embargo, todavía es difícil predecir qué tan exitosas serán las actividades de la marca, porque, como saben, el patrimonio histórico no es una garantía de éxito.
Vionnet
La historia de la casa Vionnet comienza en 1912. La fundadora de la marca, la francesa Madeleine Vionne, hizo una revolución en la moda con su exclusivo corte oblicuo de vestidos, gracias a los cuales la tela estaba en pliegues ondulados, y las cosas repetían perfectamente las curvas del cuerpo femenino. Antes de abrir el taller, ella, como Poiret, adquirió experiencia en el taller de Jacques Doucet. Incapaz de dibujar, Vionne creó vestidos que ella construyó con la precisión de un dibujo arquitectónico, cubriendo un nuevo tejido directamente en el maniquí cada vez: el principio fundamental del modisto era crear ropa en la figura.
Se inspiró en la antigüedad y los trajes de ballet de Isadora Duncan, quiso abolir los corsés y argumentó que el concepto de la liberación del cuerpo femenino le pertenecía a ella, y no a Paul Poiret. Aunque, lo más probable, la idea estaba en el aire: muchos diseñadores se la atribuyeron. En la década de 1920, en sus obras aparecen referencias a Oriente y al cubismo, ella cita el kimono y crea vestidos geométricos de tres formas principales: un rectángulo, un cuadrado y un círculo. En gran parte debido al hecho de que Vionne fue una de las primeras en comenzar a contratar modelos de moda, la profesión de los modelos se convirtió en prestigiosa. Modelos profanados sin corsés, descalzos o en sandalias. En el momento de la Primera Guerra Mundial, el negocio se redujo y se reanudó en una nueva escala en 1922. Siguiendo el taller parisino en la Avenue Montaigne Vionne, abrió su propia tienda en Nueva York, en la Quinta Avenida, donde se adaptaron los vestidos confeccionados para los clientes. En 1929 el número de empleados en el hogar llegó a 1.200 personas.
Desde el comienzo de la Segunda Guerra Mundial en 1939, la casa de moda Vionnet estaba cerrada. Después de 49 años, la empresa fue comprada por el empresario Guy de Lummen, y en 2006 su hijo Arnaud de Lummen intentó revivir la grandeza anterior de la marca. Para trabajar en la marca atrajo a la diseñadora griega Sophia Kokosalaki., que es conocido por sus cortinas. Luego Marc Odibe tomó su lugar con experiencia en Prada y Hermès. Sin embargo, el director de arte Marc Odibe, contratado para este propósito, no pudo lograr la tarea. El siguiente diseñador de la marca, Rodolfo Palliunga, quien ahora dirige la casa de Jil Sander, tampoco lo hizo.
En 2009, la casa de modas de la familia de Lummen fue adquirida por el heredero de la dinastía italiana, Matteo Marzotto, quien ya había reiniciado Valentino a principios de la década de 2000. En 2012, la marca compró a Goga Ashkenazi y ocupó personalmente la silla del diseñador, invitando a Hussein Chalayan a la línea de alta costura, que está trabajando simultáneamente en su propia marca. La visión de Chalayan se parece mucho al estilo de Madeleine Vyonne. "Hay cosas que primero debes crear y luego dibujar", dice Chalayan, que usa cortes complejos en capas y numerosos cortinajes en sus modelos.
Schiaparelli
Las obras del fundador de Schiaparelli y la creadora del concepto de ropa confeccionada comercial, la italiana Elsa Schiaparelli, pueden llamarse reformativas. La rival Coco Chanel cambió su actitud a prendas de punto: su jersey de punto negro con patrones geométricos (desde el arco hasta el cráneo) revolucionó la moda en 1927 y se convirtió en un éxito de ventas en Estados Unidos, donde posteriormente Elsa abrió muchas boutiques. Junto con Jean Patou y Coco Chanel, desarrolló la idea de la ropa deportiva y la prenda de vestir de moda, mostrando vestidos de tenis, faldas, trajes de baño y trajes de esquí en su boutique Pour le Sport a finales de los años 20. Además, fue una de las primeras en usar una cremallera para sus vestidos. En la década de 1930, más de dos mil empleados trabajaron en ella.
Elsa es mejor conocida como una diseñadora surrealista, cuyas ideas extravagantes todavía se usan en la actualidad. Su pasión por el surrealismo y el dadaísmo en los años 30 se reflejó en sus botones en forma de dulces y cacahuetes, en sus bolsos en forma de cajas de música o en un vestido de seda con langostas pintadas por Salvador Dali. La cooperación con Dali no se limitó a esto: pintó anuncios de lápices labiales y perfumes para ella, y Elsa diseñó las cosas de acuerdo con sus bocetos, por ejemplo, un sombrero de bota. Para los requisitos de la posguerra, al igual que muchos diseñadores de aquella época, no era fácil de adaptar. Y aunque la línea de perfumes fundada por ella en 1928 fue un éxito y ayudó a desarrollar la casa por un tiempo, en 1954 se cerró la casa de moda Schiaparelli.
En 2007, la marca fue comprada por el dueño de Tod Diego Della Valle, pero la remontada de Schiaparelli se pospuso hasta 2014, aunque uno de los intentos de revivir a Schiaparelli fue en el relato de Christian Lacroix. Como resultado, solo el pasado enero en la Semana de la Alta Moda en París, el nuevo director creativo de la casa, Marco Zanini, presentó la primera colección de alta costura de la casa revivida primavera-verano 2014. Marco Zanini trabaja hábilmente con los archivos de la casa (la piel de mono se puso de moda gracias a Schiaparelli y con él Zanini trabaja) y ya en dos colecciones demostró que el surrealismo y la teatralidad son exactamente de lo que carece la moda moderna. Al menos la simpatía de Tilda Swinton ya se ha ganado una casa de modas actualizada.
Charles James
A pesar de sus orígenes británicos, Charles James es conocido como el primer modisto estadounidense. Comenzando una carrera con una pequeña tienda de sombreros en 1926, Charles James ganó el título de uno de los mejores diseñadores de todos los tiempos. La Gran Depresión jugó un papel importante en esto. Después de la crisis, Wall Street, muchos modistas parisinos en los Estados Unidos impusieron el 90 por ciento de sus impuestos y tuvieron que cerrar su negocio, y su lugar fue ocupado por diseñadores locales. Entre ellos se encontraba Charles James, y varios de los modistos icónicos de la época: Main Boher, Elizabeth Hawse y Muriel King.
Charles no era solo un diseñador de moda o escultor, sino un arquitecto. Por ejemplo, una chaqueta acolchada, creada por un diseñador a mediados de los años 30, además de un traje de noche y llamada "escultura suave" por Salvador Dali, se convirtió en el antepasado de las modernas chaquetas acolchadas, incluso presentes en el vestuario de personas muy alejadas de la moda. Además de las tarjetas de visita de las chaquetas acolchadas, James se convirtió en un vestido de gala "Four Leaf Clover", que era casi una estructura de ingeniería. El vestido consistía en cuatro capas: una enagua de tafetán, una enagua ajustada, unas cuñas enagua y un vestido de arriba. Era difícil moverse en ella, pero se veía impresionante.
La incomodidad de las mujeres no impidió que el diseñador creara meticulosamente piezas de tela hechas de arte: sus vestidos de bola podían pesar hasta 8 kg. Hasta cierto punto, Charles James era un fanático y un perfeccionista: podía rehacer el mismo modelo varias veces, ajustando cada detalle con precisión matemática, trabajando en el corte perfecto de las mangas durante mucho tiempo y gastando mucho dinero en ello. En la década de 1950, la carrera de Charles James declinó, y su renuencia a aceptar cambios en la moda fue la razón. James no pudo llegar a un acuerdo con el advenimiento de la producción en masa y abandonar el complejo corte por el bien de los modelos más baratos. Pero las deudas y los impuestos impagos lo obligaron a abandonar completamente el mundo de la moda en 1958.
En 2014, el mundo volvió a hablar de la marca Charles James. Después del baile, organizado por el Met Gala Costume Institute en honor al legendario diseñador de modas, se anunció que el productor y cofundador de películas estadounidenses de Miramax Films Harvey Weinstein se haría cargo de la reactivación de la marca; firmó un acuerdo con los hijos de Charles James para comprar una licencia con la posibilidad de adquirir la marca posteriormente. El regreso de la marca se planifica bajo la dirección de consultores creativos: la cofundadora y diseñadora de Marchesa, Georgina Chapman y su hermano, el presidente Marchesa, Edward Chapman.
IRFE
La marca IRFE fue fundada en París en 1924 por emigrantes rusos: la sobrina de Nicholas II Irina y su esposo Felix Yusupov. Las letras iniciales dobladas de sus nombres dieron el nombre a una casa aristocrática en todos los sentidos de la palabra. Una vez que los clientes de las casas de moda parisinas, la pareja Yusupov conocía los secretos de la alta moda, y sus amigos y familiares participaron en la creación de la colección. A pesar del diseño clásico, sus atuendos en París fueron demostrados por los modelos andróginos à la garçon, y el modisto tenía en mente el desarrollo de la ropa deportiva. En 1926, IRFE presentó su propia línea de perfumes de cuatro fragancias: Blonde para rubias, Brunette para morenas, Titiane para mujeres de cabello castaño y Gris plateado para mujeres de "edad elegante". A diferencia de otras casas, IRFE nombró directamente el color del cabello y prestó atención a las mujeres de mediana edad, dedicando una de las fragancias a la emperatriz Maria Feodorovna.
La crisis económica de finales de los años veinte afectó a muchos sectores de la economía mundial y, en 1931, el IRFE, después de muchas otras empresas, tuvo que declararse en bancarrota y cerrar todas sus sucursales. Sin embargo, la línea de perfumes de la marca duró hasta principios de los años 60, y uno de los vestidos en el hogar cayó en el Instituto del Traje del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
El regreso de la marca luego de una pausa de 90 años se debió en cierta medida al historiador de la moda Alexander Vasilyev. Olga Sorokina se enteró de la casa por su libro Beauty in Exile, y después de conocer a su nieta Yusupov, Xenia Sheremeteva-Sfiri, comenzó a revivir la legendaria casa de moda. El año pasado, hasta el 400 aniversario de la casa de los Romanov, la renovada casa IRFE dio su primer paso: su nueva colección se mostró en la Semana de la Moda de París. Hoy en día, el equipo creativo en casa está tratando no solo de preservar, sino también de modernizar las colecciones IRFE.
Fotos:El Museo Metropolitano de Arte, IRFE, Schiaparelli, Wikimedia Commons, Vionnet