Arte del siglo XX en las colecciones primavera-verano.
EN UNA CABEZA CONSTANTE WONDERZINE habla sobre las tendencias del podio que pueden adaptarse a su vestuario para los próximos seis meses. En este número nos ocupamos de la tendencia más brillante de la temporada: el arte, que apareció en las colecciones de primavera-verano de diseñadores de Prada a Prabal Gurung.
Como empezó todo
Las ideas del mundo del arte siempre han influido en el diseño de ropa y telas. En la década de 1920, la vanguardia y los fauvistas, liderados por Henri Matisse, influyeron en la moda, que se puede rastrear en la ropa de Paul Poiret. A Madeleine Vionne le gustaba el cubismo y usaba formas geométricas y líneas en la ropa, y el artista futurista Ernesto Tayat diseñó el logotipo de su casa Vionnet. En los años 30 llegó la pasión por el surrealismo. Elsa Schiaparelli creó botones en forma de caramelos y cacahuetes y fue amiga de Salvador Dali y Jean Cocteau, mostrando el vestido de seda con langostas, la chaqueta, que mostraba a una mujer con el pelo largo en la manga y los brazos envueltos alrededor de la cintura. Estas y otras ideas surgirán más de una vez en los diseñadores modernos, incluido el ruso (piense en la colección de Alexander Terekhov Otoño-Invierno - 2013).
Los años 50 y 60 se convirtieron en un momento en que la moda, la música y el arte se entrelazaban, y la aparición de la televisión en color completó el avance de la cultura visual. Al mismo tiempo, ha surgido una cultura de consumo, replicación y un mercado masivo, todo lo que no ha perdido su posición hasta ahora. Los jóvenes ingresaron en colegios y universidades creativas, y en Londres y Nueva York se pusieron de moda ser diseñadores, fotógrafos, modelos, diseñadores gráficos o de modas (y nunca cesaron). Los diseñadores se volvieron a formar estrellas de rock (por ejemplo, Pete Townsend de The Who o Keith Richards de The Rolling Stones), y los artistas crearon carteles para conciertos y portadas de álbumes, a medida que el arte aparecía en cada farola.
Los nombres de los artistas de arte pop lo saben todo: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, fueron los primeros en reflejar la sociedad de consumo y la cultura popular, y describieron lo que interesa a la gente aquí y ahora (publicidad, televisión, productos de las tiendas). Se considera que el padre del arte pop es el británico Richard Hamilton, que creó el primer y más famoso collage "¿Qué hace que nuestros hogares sean tan diferentes, tan atractivos?" en 1956. Roy Lichtenstein experimentó con imágenes de cómics y dibujos animados. Andy Warhol, antes de convertirse en artista, trabajó como ilustrador, al parecer, en todas las oficinas editoriales de moda de Nueva York, obtuvo las conexiones correctas y dio luz verde a la mezcla de géneros. The Velvet Underground, patrocinada por John Cale of Warhol, estaba casada con la diseñadora de moda Betsy Johnson, quien recientemente retomó la producción de ropa a la edad de 72 años. En ese momento, Betsy creó camisetas divertidas bajo la etiqueta Youthquake y trabajó en una de las principales tiendas de Nueva York de la época, Paraphernalia on Madison Avenue, que colaboró con Edie Sedgwick y Warhol, quienes, a su vez, pintaron papel para la tienda. Mini vestidos y bolsos de compras (la ropa desechable entró en moda entonces).
Fue durante el apogeo del pop art en los años 60 cuando se necesitó un diseño barato y rápido: las tiendas respondieron rápidamente a las solicitudes de la gente. Por ejemplo, la tienda Biba en Abingdon Road actualiza sus colecciones cada semana; esta es una técnica que ahora está operando con éxito en el mercado masivo. Twiggy escribió: "Todo pasó de moda tan rápido como llegó. Sin embargo, fue solo lo moderno lo que atrajo, alejó todo lo viejo".
Ignorar el pop art era imposible. Yves Saint Laurent inventó en respuesta vestidos de punto con aplicaciones en forma de corazones, perfiles femeninos y labios, que interpretó recientemente Edie Slimane. Después de la colección "Mondrian" de Saint-Laurent en 1965, Stephen Willats creó un vestido similar "Changing Sheets", pero solo a partir de vinilos de nueva moda. Pierre Cardin experimentó con el vinilo, y Roy Halston creó vestidos con "Flores" de Warhol de 1964, que Miuccia Prada citó en la colección primavera-verano 2013.
En la década de 1980, el artista Keith Haring, conocido por sus graffiti de arte pop, abrirá la Pop Shop en Nueva York, donde venderá camisetas con sus obras. Vivienne Westwood también trabajará con Haring en los años 80 en la colección Witches, donde el británico reproducirá las obras de la artista con colores luminosos, y hoy en día, la marca Uniqlo aplica las obras de Haring en camisetas, que también lanzó una colaboración con el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1991, el pop art volverá a demostrar su valía: el italiano Gianni Versace creará un vestido ajustado con un estampado de stencil con caras de ácido que Marilyn Monroe y James Dean rendirán tributo a Andy Warhol. Un complemento a los colores incompatibles del vestido será un corpiño de estilo corista, decorado con pedrería y aplicaciones de tela. La joven Naomi Campbell aparecerá con este vestido, y el presidente de Condé Nast, Nicolas Coleridge, notará que el cliente de Versace no está agobiado por la "alta moral".
Cómo llevar cosas inspiradas en el arte, ahora.
Los diseñadores no son la primera temporada en ver arte, luego se colocan estampados de ropa, reproducciones de artistas famosos (Bosch y Gauguin a menudo se citan aquí), luego colaboran con artistas contemporáneos. Sin embargo, esta temporada se puso un énfasis notable en el arte pop, aunque no lo hizo sin Gauguin (vimos sus reproducciones en el espectáculo Aquilano.Rimondi y en la colección de alta costura Maison Martin Margiela). Con los años 60 y el arte pop, se relaciona la moda moderna y la comercialización de la moda y el arte. La manifestación más llamativa del arte pop fue la colección Prada: Miuccia Prada repensó la obra de artistas contemporáneos y callejeros: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra y otros. Además, varias marcas que producen elegantes embragues se han vuelto populares: el bolso Sarah's cuenta con obras de Roy Lichtenstein, Yazbukey crea brillantes embragues en forma de un paquete de cigarrillos o pasta de dientes, el británico Lulu Guinness, en forma de labios. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott y Ashish sobre pop art, el perro comió: aquí tú y Coca-Cola, y una impresión en forma de prevención en la televisión.
Además, Jeremy Scott, en la colección de la próxima temporada de Moschino, que muestra vestidos de envoltura, cita las primeras cosas creadas para la publicidad en 1956, a saber, vestidos y faldas de la longitud de la Etiqueta midi Martini, adornados completamente con los logotipos de la marca que lucen los primeros fanáticos del rock. Roll para bebidas gratis del festival. Christopher Kane crea faldas con una impresión en forma de colores replicados, recordando el trabajo de los años 60. Raf Simons para Christian Dior utiliza la técnica del pop art - logomanía. Missoni está inspirada en los cómics japoneses. Kenzo cita gráficos modernos y bosquejos con lápices. Prabal Gurung crea homenaje a Marilyn Monroe. Preen se aplica a la abstracción del vestido.
Varias marcas se inspiraron inmediatamente en el expresionismo abstracto, principalmente en las obras de Jackson Pollock y Mark Rothko. En la colección Chanel, Lagerfeld imprimió estampados en ropa en forma de brillantes salpicaduras de pintura y adornó el espacio de exhibición con 75 obras de arte con símbolos de la casa Chanel; Pinturas, esculturas e instalaciones después de la exposición se trasladaron al Grand Palais de París. Antes de dejar a Jil Sander, Gilles Zander también incluyó varios lazos con estampados abstractos en su última colección monocromática de primavera-verano. Phoebe Failo ha lanzado la colección Сéline, al parecer, para que sea compatible con el fauvismo y una gran exposición. "Henri Matisse: The Cut-Outs, que va a la Tate Modern hasta septiembre, incluso Calvin Klein incluye un arco con estampados abstractos.
Como dice el diseñador británico Jonathan Anderson, muestra colecciones sin fines de lucro en las que los críticos han estado pensando durante mucho tiempo: "Para mí, la moda nunca ha sido una forma de arte. No se puede comparar a un artista y un diseñador. Hoy en día, tanto la moda como el arte se comercializan". La diferencia es que el arte no cae en las ventas, sino que, por el contrario, a lo largo de los años ha ido aumentando en precio, pero un vestido raro entra en el museo de la moda.
Cuidate!
A las pequeñas marcas democráticas les ha encantado usar el arte con fines comerciales, pero generalmente lo hacen de manera frontal. Tenga cuidado con las dudosas sudaderas o bolsas con reproducciones de Bosch, Van Gogh o una lata de sopa Campbell. Si no está preparado para pagar por el trabajo de un gran artista con una falda cara, es mejor elegir cosas con impresiones abstractas, como las hay en la colección Zara. Una buena compra será una cosa de una colaboración con artistas contemporáneos. Y recuerde lo principal: las cosas inusuales requieren una operación cuidadosa: combínelas con algo mínimo y deje la excentricidad hipertrofiada a Joan Aguzarova y Andrei Bartenev.
Fotos: Tate Modern, Getty Images (4)